Note di Regia per la messinscena di “Orlando, la commedia ”

di Giuseppe Dipasquale 

La messinscena di Orlando si configura innanzitutto come un viaggio attraverso la fluidità dell’essere, una sfida radicale alle categorie fisse del tempo, dello spazio e del genere biologico. Mettere in scena questa materia letteraria non significa semplicemente illustrare la biografia di un personaggio immortale che attraversa quattro secoli di storia, bensì tradurre in dinamica teatrale l’atto stesso del mutamento continuo. Il fulcro dell’intera operazione risiede nella transizione, intesa non come momento di passaggio da uno stato all’altro, ma come condizione permanente dell’esistenza del protagonista.

Lo spazio scenico deve riflettere questa instabilità strutturale. Si rinuncia a una scenografia descrittiva per abbracciare un’architettura della mente, uno spazio vuoto ma fortemente evocativo, dominato da elementi capaci di riflettere, deformare o sdoppiare l’immagine. Grandi superfici, larghi come muri di un teatro e un uso geometrico della luce pittorica permetteranno di creare una scatola scenica flessibile, capace di mutare istantaneamente dalla fredda e rigida corte elisabettiana alle calde e fumose atmosfere di Costantinopoli, fino alla solitudine novecentesca della modernità.

La metamorfosi è un risveglio interiore, una rivelazione silenziosa che trova il suo compimento in un rituale di svestizione e rivestizione operato davanti agli occhi del pubblico, in cui i generi si fondono senza alcuna frizione o parodia, celebrando la complessità androgina dell’animo umano.

La recitazione richiederà agli interpreti un lavoro di straordinaria precisione stilistica, sospeso tra il distacco epico e la più vibrante verità emotiva. Chi interpreta Orlando deve possedere una qualità attoriale quasi liquida, capace di incarnare la spensieratezza e l’ardore del giovane cortigiano e, con un impercettibile cambio di postura e di respiro, la profonda e malinconica consapevolezza della donna matura. Non si cerca il mimetismo di genere, né si vuole cadere nel gioco del travestimento superficiale; si persegue invece una verità trans-generica, dove la voce e il gesto superano i confini del maschile e del femminile per attingere a un’umanità universale. I personaggi che orbitano attorno a Orlando, dalla sfuggente Sasha all’ironico Arciduca, fino all’avventuroso Shelmerdine, devono muoversi con partiture di movimento fortemente stilizzate, quasi coreografiche, che accentuino la loro natura di proiezioni della memoria o di icone di un’epoca passeggera.

L’universo sonoro dello spettacolo gioca un ruolo cruciale nel connettere le diverse epoche storiche. La partitura acustica fonderà elementi di musica barocca, frammenti di clavicembalo eseguiti dal vivo o alterati elettronicamente, e tappeti sonori contemporanei fatti di frequenze industriali e rumori d’ambiente digitali. Questo anacronismo musicale continuo serve a ricordare allo spettatore che l’Orlando che scrive poesie nel Seicento è lo stesso individuo che si ritrova a guidare un’automobile nel Novecento. I suoni della natura, come il vento della brughiera o lo scricchiolio del ghiaccio che si spezza, si mescoleranno ai versi poetici pronunciati dai personaggi, trasformando la parola stessa in materia sonora e ritmica. Attraverso lo sguardo di Orlando, il teatro diventa lo specchio ideale in cui osservare la vanità delle convenzioni sociali, l’illusorietà delle barriere di genere e la straordinaria bellezza di un’esistenza che si rifiuta di farsi rinchiudere in una sola forma. Lo spettacolo vuole restituire al pubblico non una risposta definitiva sull’identità, ma lo stupore profondo di fronte al mistero di una vita che attraversa il tempo restando fedele unicamente al proprio inafferrabile desiderio di poesia e di infinito.